La transmisión en el Este Asiático de la pintura zen del sur de la dinastía Song basada en la perspectiva compositiva

Por qué siguen importando estas pinturas antiguas

En museos desde Shanghái hasta Tokio, pinturas austeras en tinta de monjes y poetas reposan en silencio en las paredes: una figura solitaria cerca de la parte inferior, un mar de papel vacío arriba y unas pocas líneas de caligrafía flotando en lo alto. Este estudio plantea una pregunta moderna sobre estas obras centenarias: ¿pueden los ordenadores ayudarnos a ver cómo viajaron las ideas del budismo zen desde la China del Sur de la dinastía Song hasta la Japón medieval? Al tratar cada pintura como un campo de información visual medible, los autores muestran cómo una forma distintiva de disponer figuras y espacio vacío se transmitió, se adaptó y se volvió distintivamente japonesa.

Una nueva forma de leer viejos rollos

En lugar de apoyarse solo en la opinión de expertos, los investigadores emplearon un método computacional tomado de la teoría de la información. Reunieron imágenes digitales de alta calidad de 49 pinturas de figura en rollos verticales: obras de los maestros zen chinos Liang Kai y Muqi, del monje‑pintor japonés Sesshū Tōyō y, para contraste, del pintor de la corte del Sur Song Liu Songnian. Tras aclarar y limpiar cuidadosamente las imágenes, las dividieron en una simple cuadrícula de 6×6 y calcularon cuán “ocupado” estaba visualmente cada bloque. Cuanto más ocupado estaba el bloque —más trazos de tinta, contrastes y detalles— mayor era su “entropía”, o contenido de información.

Encontrar el patrón oculto en el arte zen

Los mapas de entropía revelaron un patrón notablemente consistente en las pinturas de figuras zen. Para Liang Kai, Muqi y Sesshū por igual, los bloques de mayor información se agrupan en la parte inferior central del rollo, especialmente alrededor de una posición etiquetada V(3,5). En términos cotidianos, la figura principal tiende a situarse algo por debajo del centro, mientras que la mitad superior de la pintura queda relativamente vacía salvo por una inscripción contundente. Este “centro de gravedad bajado” contrasta marcadamente con las pinturas más formales de corte, donde la atención se eleva hacia arquitecturas elaboradas, grupos concurridos y paisajes detallados. En las obras zen, el espacio en blanco sereno sobre la figura hace eco visual de ideas centrales sobre la vacuidad y la intuición directa.

La visión zen de China, la voz zen de Japón

Los números también ayudan a desentrañar lo que Sesshū tomó prestado y lo que modificó. Como Liang Kai, prefería un trazo rápido y simplificado que captura la energía de la figura con solo unas pocas pinceladas. Como Muqi, empleó fondos vacíos y tonos sutiles de tinta para sugerir un espacio ilimitado y un mundo que no puede ser aprehendido plenamente con palabras. Sin embargo, los patrones de información de Sesshū son en conjunto más desiguales: algunas regiones de sus pinturas están densas en detalles narrativos —plantas, ropajes, gestos— contrapuestas a amplios y tranquilos vacíos. Esa desigualdad refleja una sensibilidad japonesa moldeada por la austeridad wabi‑sabi y el ethos guerrero del bushidō, que funde la espontaneidad zen china con un gusto por paisajes sobrios, la soledad estacional y la contención emocional.

Qué distingue la pintura zen del arte de corte

La comparación con las escenas religiosas cortesanas de Liu Songnian acentúa el contraste. Sus pinturas muestran niveles de información más altos casi por todas partes, con rocas, edificios, muebles y asistentes cuidadosamente descritos. La entropía se distribuye a lo largo del rollo y los puntos focales se sitúan más arriba. Estas obras buscan enseñar lecciones morales y espirituales mediante escenarios ricamente montados. Las pinturas zen hacen otra cosa: eliminan la mayor parte del mundo para que un solo monje, un sabio risueño o incluso una figura cómica de gran barriga se conviertan en un puntero directo hacia la conciencia interior. Las medidas del ordenador sobre dónde se acumulan los detalles y dónde se adelgazan capturan esta diferencia entre la descripción ordenada y la sobriedad intencionada.

Qué significa el estudio para no especialistas

Para un espectador no especializado, la conclusión es que la “apariencia” de la pintura zen —figuras bajas en el papel, enormes áreas vacías y estallidos repentinos de energía en tinta— no es solo una cuestión de gusto; es un lenguaje visual compartido que transmitió ideas zen a través de las fronteras. Este estudio muestra que una máquina puede detectar ese lenguaje e incluso medir cómo se reformuló al pasar de los monasterios chinos a los templos japoneses. Al convertir pinceladas y espacio en blanco en datos analizables, los autores ofrecen una nueva manera repetible de estudiar cómo las tradiciones espirituales y artísticas viajan, cambian y perduran, sin quitar el misterio silencioso que hace que estas pinturas sigan siendo cautivadoras hoy.

Cita: Fu, R., Li, J. & Fan, R. The East Asian transmission of Southern Song Zen Buddhist painting base on compositional perspective. npj Herit. Sci. 14, 120 (2026). https://doi.org/10.1038/s40494-026-02297-x

Palabras clave: Pintura zen, arte de tinta, arte y IA, budismo en Asia oriental, Sesshū Tōyō